乌塔·哈根是在表演领域有着杰出成就的表演艺术家和教育者。在中国，乌塔·哈根表演方法的传播相对较少。乌塔·哈根的表演教学方法极具特色，特别是对空间的利用有着独特的见解。2024年1月，上海戏剧学院举办了乌塔·哈根方法大师班。现以乌塔·哈根表演方法的理论和应用实例为依托，分析乌塔·哈根方法中关于空间的表演训练，探讨空间对戏剧表演的影响与挑战，以及未来戏剧空间中表演的发展趋势。

乌塔·哈根方法中关于空间的表演训练分析

乌塔·哈根在表演领域有着卓越的成绩，三度荣获托尼奖，她也是杰出的表演教育者，在纽约H·B学院担任重要主持者和主要讲师。乌塔·哈根撰写的《尊重表演艺术》和《演员的挑战》，被誉为“美国演员的圣经”，为演员们提供了宝贵的指导和启示。乌塔·哈根认为，表演艺术是高度专业化的领域，演员必须经历持续不断的实践和探索，方能挖掘出角色内在的真实情感和复杂性。乌塔·哈根的表演方法是斯坦尼斯拉夫斯基体系的一个重要分支，并在此基础上有所发展与创新。乌塔·哈根深受20世纪50年代美国戏剧界的影响，正如美国艺术评论家肯尼斯·麦高温所说，“这是美国懂得如何训练演员和如何发展熟练技巧的时代”。第一代“美国方法派”的杰出艺术家，如斯特拉斯伯格、阿德勒和迈斯纳，为美国现代戏剧表演方法奠定了坚实的基础。而乌塔·哈根作为第二代“方法派”的杰出代表，不仅继承了前人的理论和实践，更在此基础上进行了创新和发展。乌塔·哈根的表演方法应运而生，它是针对演员“本身”的传承和创新，是一套综合性的表演训练体系，具有极强的实践性，旨在通过培养在场感帮助演员创造真实深刻的表演。其六步法、目标训练等技巧为演员提供了有效的实践工具，使表演更自如、情感更真实。

与空间的联结——构建在场感的艺术

乌塔·哈根方法强调在场感，即让演员充分感受所处空间，与空间产生联结，以完全沉浸在角色和情境中。乌塔·哈根方法有许多与空间相关的热身练习，不仅为演员提供了身体上的准备，更为他们的表演注入了新的活力和启示。其中，“我的”热身练习，让演员在空间里自由走动，观察周围环境的细节，引导演员发现空间的特点，然后找到空间中的一个物品，指着说“我的”。接着，再次让演员在空间中自由走动，在空间中找到一个人，保持目光交流，然后说“我的”。笔者认为，这个练习的目的是加强演员与表演空间之间的联系，使他们能够相信自己正生活在这个特定的空间中，或者说相信故事真正在这里发生。这种在场感的增强，为演员的表演注入了真实性和情感深度。同时，演员们通过这种练习能够逐渐建立与对手的互动和信任，激发他们与对手之间更加真实和深入的交流。在训练过程中，演员通过认真观察，想象自己生活在这个空间，感受在场感带给自己表演的帮助。该演员认为这种观察方法增强了他对空间的感知，能够与空间建立起情感联结，使他在表演中更容易进入角色，体验角色的情感。同样在“你好”热身练习中，演员们围成一圈，地板中间放置一个标记。一人先站在中间，另一人专注地走向中间，期间不预设任何动作或台词。当双方眼神交汇时，说出“你好”，然后互换位置。在训练中，台词也可以发生变化，如“我需要你的帮助”和“我能帮助你/我不能帮助你”等。笔者发现，在“你好”练习中，演员们完全沉浸在当前的状态和空间。在安静地走向对手的过程中，演员们仿佛进入了一个全新的空间，这个空间是由他们共同创造和共享的。由于双方都没有预设任何动作或台词，他们需要在空间中真正、自然地发出“你好”，这种互动让他们在表演中创造了更加真实、自然的对话及场景。

在乌塔·哈根方法中，演员不仅要动用头脑、身体，还要善于利用表演空间中的道具。乌塔·哈根要求演员们在反复排练中去发现还缺少什么道具，要及时补充，创造有细节的场景。她非常重视演员与空间的互动关系，认为场景不仅是背景板，更是演员情感流露和角色形成的核心要素。在训练中，笔者感受到乌塔·哈根方法对空间布置的重视，以及其鼓励演员将充满私密性和熟悉感的个人物品带上舞台，这不仅为演员提供了情感上的安全感，更能促使演员更快地融入角色。因为这些个人物品所承载的情感记忆，能够成为角色塑造过程中真实情感的支撑点，使得表演更加生动和动人。例如，在一次训练中，演员带来了许多私人物品，模拟了自己卧室的场景，呈现自己日常的生活状态，细节的把控让角色的情感和动作有了更为坚实的依托。该演员表示，在表演初期仍会有些“舞台感”，但随着与私人物品的互动，能够逐渐忘记舞台的存在，完全沉浸在场景中，表演也就更加自然流畅。而另一位演员将一个有重要意义的蝴蝶结发卡带上了舞台，这个发卡让她正视到自己柔软的一面，而在今后表演中需要体现脆弱感的时候加以应用，可以让表演更加真实。

在乌塔·哈根的方法中，许多具体的练习方法都体现了对空间的重视。例如，在基础目标练习中，强调演员在舞台上应专注一个具体的目标，并按照日常生活中的步骤去实现它。在这个训练中，演员需要通过精心布置场景、还原真实空间。演员与空间的联结使得注意力集中在所要完成的目标上，避免了被舞台上的紧张氛围或观众的干扰所影响。笔者认为，这一训练的原理与斯坦尼斯拉夫斯基的“任务目标”相似。在传统的表演练习中，演员往往会选择具有戏剧性的片段。然而，在乌塔·哈根的练习中，演员被鼓励在创造的“真实”空间中展现日常生活的自然状态，即使这些状态可能看起来有些“无聊”。通过这种练习，演员可以学会如何在舞台上保持真实，并将这种状态应用于今后的演出。

观演关系中空间的打破与重构

在视频资料中，笔者发现乌塔·哈根在演员表演时经常会爽朗地笑起来，她说：“观众笑，是因为从舞台上的演员身上看到了自己。”训练时，她也会在表演结束后问演员：“观众有没有影响到你?有没有感觉到观众的存在?”可见，乌塔·哈根方法强调演员在表演过程中要正视观众，打破空间的限制，正确处理观演关系。演员的表演会感动观众，而观众的反应同样会感染演员的情绪。在舞台上，能量是一个“三角”，即演员、物品、观众，观众的能量进入演员身体，能够帮助演员进行情感表达。演员应该默认观众不会单纯地以对或错来评判演员的表现，这种非评判性的态度能为演员提供强大的心理支撑，观众的认同和欣赏让演员在舞台上更加自信和投入。当演员相信自己做的事时，观众也就会因为演员的相信而相信。

乌塔·哈根方法认为，演员要在不被观众影响的前提下，尽可能地接收观众的能量传递。笔者认为，观众对演员的影响绝大部分是积极的，观众的反应是演员验证自己表演水平的最好“工具”。如果观众毫无反应，这意味着演员的表达方式可能不够清晰或者表演不够引人入胜。这种情况下，演员需要调整自己的表演方式，确保观众能够理解并感受到其想要传达的思想和情感。同时，观众会刺激演员的肾上腺素，对演员起到刺激和促进作用。正如在大师班的一次训练中，演员表示，自己在台下预演很多次都认为自己不会哭，但在正式表演中却感动地哭了出来，该演员认为是观众的存在让这件事发生。

在第四堵墙的练习中，乌塔·哈根更是让演员彻底打破空间的对立，不要惧怕将目光投向观众席，更加自然地面对观众。在这个练习中，演员需要想象自己面对着一面墙，这面墙可能是客厅的背景墙，上面可能有窗户或其他装饰。演员需要在这面墙上设定一个标点，这个点可以是墙上的某个特定位置，如窗户的中心或一幅画的边框。通过集中注意力于这个标点，演员可以在表演时更加自然地面对观众，而不会感到不自在或紧张。笔者认为，第四堵墙的训练是在“建墙”，也是在“破墙”。该训练为演员在观众方向上构建了一道心理屏障，这面“墙”能确保演员免受观众的影响，以全神贯注于表演，不出戏。同时，鼓励演员在适当的时候打破第四堵墙，与观众建立直接的目光接触。这种空间关系上的练习在演员与观众之间建立了一种微妙的平衡，既保护了演员的表演空间，又为他们提供了与观众互动的机会，加强了演员与观众之间的情感共鸣，从而创造一种既真实又引人入胜的戏剧体验。例如，在一次训练中，演员模拟了一段打电话的场景，他时而抬头看天，时而低头看地，似乎在刻意回避与观众的目光接触，这导致表演显得有些不自在，观众难以沉浸在表演中。通过第四堵墙的方法，演员在墙上找到一个固定的点作为视觉焦点，在表演中偶尔将目光投向远方，以避免与观众之间的直接对视。经过这样的调整，演员的表演明显变得更加自然流畅，观众也更容易被带入演员所营造的情境中。

空间对戏剧表演的影响研究及未来趋势

空间问题一直是戏剧研究中重要的领域，安娜·于贝斯菲尔德的《戏剧符号学》中明确指出了“戏剧空间”的核心地位，胡妙胜也强调舞台空间在戏剧媒介系统中的核心价值。相比乌塔·哈根方法对空间布置的重视，耶日·格罗托洛夫斯基认为，戏剧在工艺层面始终难以企及电影与电视的精湛程度，因此，其倡导并实践质朴戏剧的理念。彼得·布鲁克则认为，相较于电影所展现的灵活性，传统的戏院显得颇为笨重，甚至伴随着吱嘎作响的陈旧感。因此，当舞台被设计为空荡无物时，它所展现的轻盈灵动与开阔视野，是电影或电视媒介难以企及的境界。彼得·布鲁克认为，舞台空间的道具应该越少越好，只有那些有特别重要意义的道具才应该存在。在他的观念中，没有意义的道具只会分散注意力，破坏表演的整体效果。耶日·格罗托洛夫斯基和彼得·布鲁克的理念在某些先锋戏剧和当代表演艺术中得到了应用。然而，在科技日新月异、文化多元交融的当下，我们已经可以通过丰富的资源与强大的能力塑造出与剧情丝丝入扣、相得益彰的戏剧空间。面对这样的时代契机，我们更应深刻洞察并尊重演员的表演需求，更细致地考量观众的审美心理。

戏剧表演中，空间的处理与运用随着时代的变迁和戏剧理论的革新而不断演变。当代戏剧舞台空间可以概括为三大类型，一是“完全空间”，代表对“完美主义”的极致追求；二是“空的空间”，体现戏剧创作者对传统的反叛，成为前沿戏剧探索的方向；三是“未完成空间”，旨在探索一种空间的未完成状态，促进戏剧各元素参与，形成真正共融的戏剧艺术空间。笔者认为，虽然追求极致的“完全空间”设计能为演员提供表演上的便利，但它也无形中构筑了框架，束缚了演员的想象力与创新力，使得表演趋于模式化，缺乏即兴与灵感的火花。在这样的环境中，演员往往遵循预设路径，难以突破自我，探索新的艺术边界。而极端的“空的空间”概念也是对演员想象力与创造力的极限挑战，在表演训练中有这种形式的练习。例如，在乌塔·哈根方法的赋予练习中，演员被要求通过自己的感知和表现，赋予某种物体真实的质感和属性，仅凭表演就让观众感受到“热水”的温度，这一过程锻炼了演员运用五感创造真实情境的能力。更进一步，则是在更为极端的训练环境中，面对几乎空白的舞台与有限的道具，演员需凭借想象力，将日常物品转化为戏剧元素。例如，将水杯幻想为猎枪，演绎狩猎等复杂情节，这种训练促进了演员的创造思维与即兴反应能力。然而，当这种极端“空的空间”理念被直接应用于舞台表演时，其局限性也随之显现，它限制了演员在特定动作表现上的自由度与深度，使得某些情感与场景的传达不够充分或自然。此外，随着观众审美水平的提升与多元化需求的增加，这种单一追求极简与抽象的戏剧空间已难以满足所有观众的期待。而“未完成空间”不仅是舞台物理空间上的延伸，更是一种观念上的革新，强调观众与演员或空间之间的互动性、参与性和共同创造性。这种空间设计理念，打破了传统镜框式舞台的界限，使表演不再局限于固定的区域，戏剧的完整表达依赖于观众的体验。在体验经济兴起的背景下，“未完成空间”的概念得到了更为广泛的应用和发展，戏剧更加注重为观众提供沉浸式的体验，环境戏剧空间、沉浸式戏剧空间等形式，作为“未完成空间”的扩展，让观众在参与过程中获得独特的、个性化的感受。《不眠之夜》《只有河南·戏剧幻城》以及《AI之梦》等沉浸式戏剧的兴起，推动了戏剧艺术在空间设计和演员表演方式上的创新与发展。

如今，科技的发展正在影响着戏剧艺术。虚拟现实(VR)、扩展现实(XR)、机器人技术乃至人工智能(AI)等科技的融入，极大地丰富了戏剧的表现形式，增强了观众的沉浸式体验，更为演员们开辟了充满无限可能的创作空间。对演员而言，这既是机遇也是挑战。前所未有的表演空间激发了演员更深层次的创造性和创新性。在VR、虚拟制片等技术打造的虚拟或混合现实空间中，演员以前所未有的自由度探索演绎的可能性。同时，AI技术能够帮助演员精准把握表演细节，提升整体表演质量。

然而，演员也面临着诸多挑战。新型的戏剧空间要求演员具备更高的空间感知能力和适应能力，他们需要快速理解并融入，调整传统的表演方式以适应新的互动模式和视觉效果。此外，在沉浸式戏剧中，演员往往需要同时驾驭多个角色，穿梭于复杂多变的多线叙事之中，这对他们的记忆力、应变能力和表演连贯性构成了严峻考验。同时，随着观众与演员距离的拉近，演员必须更加集中精力，以更为细腻、真实的表演方式传递身体语言和心灵情感，确保每一个细微之处都能触动观众的心灵。面对这些挑战，戏剧创作者们需要运用更加细腻和完善的空间设计策略，为演员提供最佳的表演舞台，助力其克服技术带来的障碍，实现艺术与技术的完美融合。通过精心设计场景、道具以及灯光效果，为演员创造更加有利的表演环境，激发其内在潜能，创作更好的戏剧作品。

技术的革新正引领戏剧艺术走向一个充满趣味和创造性的未来。在这个过程中，戏剧创作者们将不断迎接新的挑战，共同书写戏剧艺术的新篇章。这不仅是对传统艺术形式的继承与发扬，更是对人类创造力与想象力的又一次深刻展现。